Norman McLaren (11 avril 1914, Stirling, Royaume-Uni – 26 janvier 1987, Montréal, Canada) est un réalisateur canadien d’origine britannique. Il est considéré comme un des grands maîtres du cinéma d’animation mondial. Son nom est étroitement associé à l’Office national du film du Canada.

Oeuvre

Compagnon de vie du directeur de la section française de l’ONF, Guy Glover, son œuvre s’est développée au sein du bouillonnement culturel et politique du cinéma québécois d’alors. Certains de ses films se feront d’ailleurs en français.

Il a expérimenté de nombreuses techniques : grattage de pellicule, peinture sur pellicule, et même peinture du son sur pellicule, pixilation, prise de vue réelle, stop motion, dessin animé.

Norman McLaren s’est notamment inspiré des techniques de superposition de personnage sur un décor d’Emile Courtet, dans ses techniques de grattage de pellicule, comme dans Love on the Wing par exemple.

D’une créativité débordante, McLaren expérimente constamment, à la manière de l’artiste visuel dans son studio. Il utilise les mêmes images de départ dans ses 2 films Lignes horizontales et Lignes verticales.

Il innove également dans la création du son, dessinant directement la piste sonore optique de ses films. Il se crée un système de repères, établissant des correspondances entre espaces des traits et notes de musiques, auquel il ajoute des masques afin de créer des ondes sonores simples ou plus complexes. On voit son travail à ce niveau dans À la Pointe de la Plume. Mais ce travail sur le son va plus loin: Mc Laren a toujours recherché une symbiose entre son et image. L’image danse sur la musique de la bande sonore. On peut dire que McLaren a dessiné pour nous aider à entendre et composé de la musique pour nous aider à voir. L’œil voit ce que l’oreille entend et réciproquement. Ainsi, en définitive, l’œil entend, l’oreille voit. Ceci est d’ailleurs le titre d’un film de McLaren dans lequel il réalise, à partir d’un piano, non seulement le son du film mais aussi l’image.

Il travaillait au sein de l’Office national du film du Canada.

Honneurs

Les films de Norman McLaren sont ajoutés au Registre international Mémoire du monde de l’UNESCO

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22 Juillet 2010 de 21h30 à 23h30.

Extraits de la collection privée de M. Sylvain Maury:

- L’Ange Bleu, spectacle de Jean-Marie Rivière

- Jean-Marie Rivière, de l’Alcazar au Paradis Latin – documentaire

- Paris Paradis, spectacle de Jean-Marie Rivière

- Extraits de Chobizenesse, de Jean Yanne

Jean-Marie Rivière est un acteur, metteur en scène et directeur de music-hall français, né le 18 mai 1926 à Bergerac et mort le 23 avril 1996.« Figure emblématique du monde du spectacle », il fut « longtemps considéré comme l’un des “rois” des nuits parisiennes ». Il a successivement fondé et animé le Café des Arts à Saint-Tropez, les cabarets parisiens de l’Alcazar (1968), l’Ange Bleu et le Paradis latin (1977). Découvreur de talents, « son héritage inspire encore de nombreuses scènes mondiales ».

Le Paradis Latin

Doyen des cabarets de la capitale, son origine remonte à 1802, année où le Premier consul Napoléon Bonaparte fait bâtir le théâtre Latin, rue des Fossés-Saint-Victor. L’inauguration a lieu l’année suivante. En 1830, le théâtre Latin devient un des hauts lieux hétéroclites à la mode des nuits parisiennes où se côtoient artistes, bourgeois, écrivains, poètes, journalistes, hommes politiques, intellectuels, étudiants, ouvriers, commerçants, aristocrates… Honoré de Balzac, Alexandre Dumas, Alexandre Dumas fils et Prosper Mérimée sont des habitués. Il est détruit par un incendie durant la Guerre franco-prussienne de 1870, lorsque le chancelier prussien Otto von Bismarck assiège Paris. Ses ruines calcinées subsistent pendant 17 ans. En 1887, lors de la préparation de l’Exposition universelle de 1889, Gustave Eiffel reconstruit le théâtre en même temps que sa tour. La nouvelle salle est inaugurée le dimanche 20 janvier 1889 sous le nom de Paradis latin et affiche complet tous les soirs en présentant des revues et des ballets. Yvette Guilbert, la star de la chanson de l’époque s’y produit.Au début du xxe siècle, Montmartre devient le quartier à la mode de Paris et le Paradis latin connaît plusieurs dépôts de bilan successifs malgré la Belle Époque. Le faïencier-verrier Charles Leune finit par acheter l’endroit pour y installer son atelier. Il est repris en 1930 par un industriel pharmaceutique qui dépose le bilan et laisse l’endroit longtemps inoccupé.En 1973, le promoteur immobilier Jean Kriegel achète l’immeuble pour le transformer en appartements. Après avoir découvert l’existence de la salle de spectacle à l’occasion du démarrage des travaux, il décide, séduit par les lieux, non plus de réaliser l’opération immobilière initialement prévue mais de ressusciter ce cabaret mythique de 720 places selon les plans originaux d’Eiffel. Jean-Marie Rivière, directeur artistique, assisté de l’auteur Frédéric Botton, y présente la première revue Paris Paradis le 14 novembre 1977, qui connaît un triomphe.

C’est avec un grand plaisir que Les Nouveaux Artistes prennent part au Parcours d’Art Contemporain du XIXème Arrondissement.

Du 4 au 6 Juin 2010, de 14h à 20h, venez découvrir une exposition de groupe au Studio LNA.

Artistes exposés: Pierre Osawa, Edward Silhol, Marion Mille.

Projection

Installation vidéo (triptyque)2010 – HD couleur 480 min

«La chambre est réellement vide, dit-elle, parce que quand je fais des patiences, je n’existe pas.»

RÉUSSITES[PATIENCES] propose d’affronter le vide de l’existence en bannissant ces petits jeux obsessionnels généralement destinés à  le masquer.

PROTOCOLE

- Le 13 décembre 2009, Mlle Dagna Litzenberger a accepté d’être filmée huit heures consécutives dans sa salle de bains à ne rien faire.

- Le 13 janvier 2010, Mlle Litzenberger a regardé et décrit en détails ces huit heures d’inaction.

- Le 31 janvier 2010, Mlle Natasha Andrews, équipée d’oreillettes, a exécuté cette description sonore de huit heures.

Vidéo de l’événement

Biographie

Née à Montréal en 1985, vivant à Paris depuis 2005, Ina Mihalache est actrice, vidéaste et plasticienne.

En 2004, elle abandonne des études d’Histoire de l’Art à l’Université de Montréal et intègre la Classe Libre du Cours Florent à Paris. Elle est l’héroïne du dernier court-métrage de Mathieu Amalric « Deux cages sans oiseaux » présenté au Festival de Cannes 2007.

Courant 2006, elle se soustrait petit à petit aux stages d’acteurs, devient cadreuse et monteuse pour les émissions religieuses de France 2 et co-réalise deux courts métrages expérimentaux.

En 2009, elle est reçue au programme Cinéma de l’UQÀM (Université du Québec à Montréal), mais s’enfuit dès le premier semestre.

Réussites[Patiences] est sa première œuvre. Le triptyque vidéo interroge la notion contemporaine d’emploi du temps en mettant en scène le désœuvrement d’une actrice « sans emploi ».

Interview de l’artiste

Commentaire de l’œuvre

« Réussites[Patiences] questionne le fondement même du sens de la vie, de l’art, par l’un de ses biais les plus saillants : la vacuité, état de ce qui est vide.De gauche à droite : un corps de fille qui ne fait rien de spécial, en silence ou presque, dans une salle de bain ; en gros plan, la même fille se regarde et décrit méticuleusement ses non-actions, énonçant un interminable catalogue de postures d’une façon intensément ludique, incarnée, prouvant qu’il est possible de décrire le vide, et cette description fait plein ; enfin, le corps d’une autre actrice exécute le catalogue énoncé comme une liste de figures imposées successives, faisant écho à la vacuité des non-actes de la première sous une forme mimétique. Mais voilà, rien n’est pareil, c’est une autre fille, dans un espace indéfini, une autre subjectivité, elle interprète plus qu’elle n’exécute. On assiste à ce prodige, hypnotisé. On imagine la suite de cette version sublimée du téléphone arabe : mettre la seconde fille face à sa propre image, commentant ses non-actes dirigés et la première fille pourrait les exécuter dans la salle de bain, ça ne ressemblerait pas à la première fois, et ainsi de suite…L’ensemble, exposé simultanément, dure 8 heures sans interruption. Bout à bout, la performance représente 24h, soit exactement le temps que la terre met pour faire un tour sur elle-même, avant de recommencer. Parfaite mesure d’infini. Eternel retour. Par la simplicité de son dispositif, la ligne claire de son tour de force, Réussites[Patiences] invite à contempler le vide pour mieux en voir le plein. Et inversement. »

Adrien Leveau

Suivie d’une présentation de Frédérique Zepter, réalisatrice du documentaire, qui parlera du film et expliquera comment elle a produit ce projet.

« Candomblé » de Frédérique Zepter

Au travers d’interviews des plus grands percussionnistes de Rio de Janeiro, Frédérique Zepter propose dans ce film une initiation à l’origine liturgique des rythmes brésiliens : le candomblé. Religion des populations noires du Brésil, qui associe à chaque dieu un rythme différent, le candomblé ancre la musique brésilienne dans une tradition africaine du sacré.

Les Nouveaux Artistes ont le plaisir de vous inviter à la présentation du mobilier créé par Pierre Osawa pour Taka Design.

Vernissage au Studio LNA le 28 Mai 2010 de 19h à 23h.

Exposition du 28 au 30 Mai 2010, 10h – 19h.

Comment prendre 5 ans en l’espace de 2h d’avion ?

Seul en scène écrit et interprété par Mohamed Kerriche. Le spectacle a été produit et mis en scène en 2009 par Stanley Weber au théâtre du Marais à Paris.  La lecture sera dans l’esprit de la direction du metteur en scène. Mohamed Kerriche, acteur, a été formé à la classe libre de l’école florent en 2008 et lors de stages d’acteur auprès de Peter Brook et Kim Massée, directrice d’acteur franco-américaine, assistante de Lee Strasberg à l’Actor’s Studio.

Comment prendre 5 ans en l’espace de 2h d’avion ? est la première écriture de Mohamed. Elle nous livre sans concession les pensées à voix haute du personnage principal, Momo, dont on suit la chronique entre scènes poignantes et légères.Momo, 8ans, vit dans un pays étranger avec sa famille. Un jour, ils reçoivent la visite d’un couple étrange venu de France. »Ils habitent mais viennent d’ici. Lui, sourit tout le temps, pendant qu’elle, elle verse et déverse toutes les larmes de son corps…

La voix : elle chiale quoi !- Oui, fils mort étouffé dans une valise. »Pour remplacer ce fils mort, les parents de Momo le donne à cette famille en deuil et en l’espace de 2h d’avion, Momo se retrouve en banlieue parisienne. Son identité administrative sera dorénavant celle de ce fils mort et l’enfance cédera rapidement sa place au jeune adulte. »Texte pour un seul acteur né de mon envie de m’exprimer sur certains sujets à travers le regard de Momo, baigné dans un univers de violence et de la loi du plus fort. »

Mohamed Kerriche

« Où, comment inviter un jeune auteur à interpréter les propres mots de son œuvre ? Libérée, l’écriture ne répond qu’à ses propres règles ; elle fait intimement écho à la force brute et instinctive de Mohamed. L’étrange gangrène telle qu’il la définit, crise identitaire ou l’on retrouve à vif, déracinement, peur et haine de l’autre. Autant de thèmes contemporains, qui paradoxalement me sont étrangers. C’est aussi de ce paradoxe que peut naître la juste distance nécessaire au travail. »

Stanley Weber

Samedi 8 Mai

Le légendaire artiste Jean-Michel Basquiat (1960-1989) avait seulement 19 ans quand il joua le rôle principal dans cet « inconnu film classique » sur la scène artistique et musicale du début des années 80 Downtown New York.

Un artiste expulsé de son appartement essaye de vendre une de ses toiles pour payer son loyer, parmi les rappeurs, stripteaseuses, mannequins et les characters du monde de l’art dans le « Lower East Side ».

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Andy Goldsworthy est un artiste britannique, né dans le Cheshire le 26 juillet 1956, qui produit des sculptures dédiées à des sites spécifiques urbains ou naturels. Il est l’un des principaux artistes du Land Art et utilise des objets naturels ou trouvés pour créer des sculptures éphémères ou permanentes qui font ressortir le caractère de leur environnement.

→ Wikipedia

« À la façon des maîtres de la photographie, l’artiste anglais Andy Goldsworthy met en scène ce qu’il voit, et fixe l’intention sur pellicule. Mais la ressemblance s’arrête là: ce qui importe n’est pas tant le cliché que la construction, l’objet photographié. Le cadre est le souvenir (et le moyen de vivre pour l’artiste) de cet art qu’est la mise en forme de la nature. Goldsworthy est un sculpteur de l’environnement, maître du Land Art. Ses oeuvres, éphémères mais certaines, faites pour résister au temps, sont précieusement conservées et appréciées dans le monde entier. L’année dernière, lors du FIFA 2002, avait été présenté le film de Thomas Riedelsheimer sur Goldsworthy, Rivers and Tides. Un superbe documentaire. »

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